La Principessa Cavaliere di Osamu Tezuka

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Oggi è il mio compleanno e poiché è un giorno speciale, c’è una new entry in SOnC. Un regalo da parte mia a voi. Spero di poter tornare al solito ritmo sul blog dopo qualche settimana con la mente su altri temi, o almeno questa è la mia intenzione. E per iniziare con il piede giusto, niente di meglio di un classico fumetto per persone grasse. Mi riservavo la recensione di questo manga da qualche mese, ma merita un posto di rilievo nella sezione che, dopo l’equinozio di primavera, si allunga e diventa protagonista in SOnC: Shôjo in primavera. Ed è La Principessa Cavaliere (Principessa Zaffir) o Ribbon no Kishi di Osamu Tezuka. Queste sono parole grosse, ci riferiamo a uno dei pilastri fondamentali di uno dei dati demografici più popolari e importanti dell’universo manga. Il prima e il dopo nello shôjo.
Il ruolo di Manga no Kamisama fu fondamentale per lo sviluppo di manga per ragazze, ma non fu l’unico autore. Leiji Matsumoto e il suo Midori no Tenshi (1959), Makoto Takahashi e il suo Sakura Namiki (1957) o la pioniera Miyako Maki e il suo Maki no Kochibue (1960), sono solo tre esempi di ciò che già accadeva negli anni 50-60. Tuttavia, Ribbon no Kishi può essere considerata la più famosa delle opere che ne posero le basi, e una delle prime, anche se non la prima. Tale onore va a Nazo no Clover (1934) di Katsuji Matsumoto.

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Nazo no Clover

Con un’evidente ispirazione agli spadaccini che Douglas Fairbanks ed Errol Flynn interpretavano nei film, Nazo no Clover o The Mysterious Clover racconta le avventure di una bambina travestita da uomo che, mascherata, difende i deboli dagli abusi della nobiltà. Apparve come bonus nel numero di aprile della leggendaria rivista Shôjo no Tome (1908-1955), il cui contributo alla creazione dell’estetica, arte e linguaggio visivo dei futuri shôjo fu incalcolabile. È lì che cominciamo a intravedere quegli occhi enormi e acquosi della demografia, la fonte di tutto il sentimentalismo a fior di pelle delle loro storie. Insieme a una bellezza languida e idealizzata della natura, con petali al vento e stelline, formarono quello stile chiamato jojô-ga (disegni lirici), che divenne segno della casa editrice. Tuttavia, non va perso di vista il fatto che lo shôjo come tale nacque dopo la seconda guerra mondiale, sviluppandosi solo dagli anni ’70. È una conseguenza diretta della modernizzazione del Giappone, poiché aggiornamento nella società capitalista di ruoli di genere tradizionali e modo per controllare le future mamme della nazione. Quindi, dai primi romanzi shôjo shôsetsu ai fumetti, fu trasmesso un codice rigido e immutabile sul femminile, che diffuse tra i giovani cittadini della classe media l’ideale di donna elegante, sottomessa e concentrata sulla casa. Quel ryôsai kenbo dell’era Meiji che esortava ad essere buone mogli e madri sagge, purtroppo, é ancora in vigore.

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Il primo Ribbon no Kishi di Tezuka fu pubblicato nel 1953; consisteva in 16 episodi per 3 tankôbon. Poi arrivò il sequel Futago no Kishi (1958) e la nuova versione del manga originale del 1962, realizzata dall’autore stesso. Per questo, di fronte alla lettura di quest’opera, bisogna tener conto del periodo in cui fu realizzata. Come commento sempre (e non mi stancherò di farlo), giudicare le opere del passato con la visione del presente non è né saggio né intelligente. In La Principessa Cavaliere c’è misoginia, machismo e persino transfobia. Questa è una realtà. Ma all’epoca nessuno di questi concetti veniva presentato in Giappone; e assai meno sui prodotti per le ragazze. E nonostante tutto, Ribbon no Kishi fu un’opera audace e coraggiosa; che insieme a Tetsuwan Atom aprì le porte a una nuova concezione del fumetto giapponese, e dove le giovani donne potevano vedersi riflesse in un personaggio dinamico e perspicace, dotato di iniziativa e potenza. Non è un segreto che per creare la principessa Zaffiro. Tezuka, oltre a conoscere quasi sicuramente Nazo no Clover di Katsuji Matsumoto, La primula rossa (1905) o Zorro di Johnston McCulley, si lasciò permeare dallo spirito della Rivista Takarazuka e del suo otokoyaku. L’idea di vestire una donna da uomo e darle attributi tradizionalmente maschili come coraggio, impavidità e abilità nel combattimento nacque da questo spettacolo teatrale che affascinò dozzine di generazioni di giapponesi. E continua a farlo oggi.
Questa introduzione era necessaria per scrivere la recensione di Ribbon no Kishi ? Ho già commentato la maggior parte delle cose menzionate in modo più approfondito sulle diverse voci di Shôjo in primavera. Tuttavia, penso che ricordarli non sia affatto male, soprattutto per rinfrescare la memoria e far capire che La Principessa Cavaliere è figlia del suo tempo, e che come tale va valorizzata. Il suo valore è innegabile, le sue ramificazioni raggiungono il presente lasciando segni indelebili sulle opere di molti artisti. Dentro e fuori lo shôjo. Quando Ribbon no Kishi vide la luce, non aveva molte aspettative; al tempo nessuno avrebbe scommesso su una serie regolare esclusivamente per ragazze. Nessuno tranne Tezuka, che aveva già scritto un paio di fumetti per ragazze (Mori no Yonkenshi, Kiseki no Mori no Monogatari) come saggio per La Principessa Cavaliere. Fu pubblicata nello Shôjo Club per 3 anni e fu un successo assoluto . Ed è così che è iniziato tutto: fiat shôjo.…
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E di cosa parla La Principessa Cavaliere ? Ebbene, si tratta di una serie di racconti, ispirati al folklore mitteleuropeo di Charles Perrault e dei fratelli Jakob e Wilhelm Grimm, che racconta gli avatar della principessa Zaffiro. Figlia del re di Silverland ma con la prevedibile legge salica che le impedisce di accedere al trono. Tuttavia, le circostanze sono molto più complicate di quanto sembri. Prima di nascere, in paradiso, i bambini ricevono un cuore blu se saranno maschi o rosso se saranno femmine. Tink, cherubino piuttosto malizioso e avventato, decide che Zaffiro ha un viso da ragazzo, così le assegna un cuore blu. Ma quando è il suo turno per davvero (ha il numero 110), gli viene assegnato un cuore rosso, quindi finisce per avere entrambi i cuori. Che ne sarà di Zafiro? Donna o uomo? Tink l’ha resa una liao bruna, così Dio la manda sulla Terra in modo che, se nasce femmina, le strapperà il cuore blu. E Zaffiro diventa una ragazza, e così viene annunciata ai messaggeri del palazzo reale; tuttavia, per una stupida confusione, capiscono che è un ragazzo, e viene pubblicamente proclamato maschio ed erede al trono di Silverland. Ma la cosa non si ferma qui, il Granduca Duralmin (perfido e malvagio) sospetta che ci sia un trucco e che suo figlio debba essere il futuro re. Quindi si dedica a macchinazione per scoprire l’inganno. Intanto Zaffiro viene educata sia come ragazza che ragazzo, poiché possedendo entrambi i cuori possiede le presunte qualità di entrambi i sessi; e solo il dottore, l’infermiera e i re conoscono il segreto. E Tink, ovviamente, che intende portare a termine la sua missione. Zaffiro sembra evitare gli intrighi di Duralmin, e sebbene non possa apparire in pubblico come donna, trova il modo di travestirsi a carnevale e godersi balli e feste. In uno di essi incontra il primogenito del re del paese vicino, Goldland. Il suo nome, Franz Charming; e Zaffiro si innamora perdutamente. Sarà quell’amore a dettare il suo destino.
3369In La Principessa Cavaliere, e come potrebbe essere altrimenti, accadono molte cose. Queste sono le premesse di un manga composto in realtà da una moltitudine di storie, dove sfilerà una vasta gamma di personaggi. Perché si tratta di fiabe occidentali, col loro potente substrato cristiano e l’influenza folkloristica europea. La narrazione è semplice e lineare, rivolta alle famiglie, e focalizzata sui bambini, quindi troveremo in abbondanza le solite risorse fumettistiche di Tezuka, e una caratterizzazione dei personaggi che rasenta la parodia. I cattivi sono assai cattivi, i personaggi comici molto riconoscibili e i buono stupidamente impeccabili. Sono maschere teatrali, archetipi che aiutano nella costruzione di una solida architettura sociale che non deve essere spezzata.
Naturalmente, vi sono e eccezioni e la proverbiale abilità di Kamisama no Manga per i colpi di scena inauditi rese Ribbon no Kishi una lettura divertente ed equilibrata. Fu un fumetto davvero divertente, sorprendente per la sua freschezza nonostante abbia più di 60 anni. È invecchiato meravigliosamente! La famigerata (e deliziosa) ingegnosità che sprizza si diluisce nella consueta crudeltà delle fiabe, lì abbiamo continui riferimenti a I sei cigni, Cenerentola, La bella addormentata od opere di balletto come Il lago dei cigni, che acquistano un nuovo volto in questo manga. E di quali eccezioni parliamo? Beh, per esempio, ci sono due personaggi che, personalmente, mi piacciono molto e rappresentano una rottura drastica nei confronti dei rigidi ruoli di genere del tempo rispetto la stessa Zafiro. In effetti, Zaffiro come protagonista del fumetto deve finalmente piegarsi alle convenzioni sociali dell’epoca. Non si può negare la sua audacia in certi aspetti, ma quell’audacia è sempre giustificata dal cuore maschile. Non appena scompare, diventa la tipica damigella in pericolo; e non si dimentichi che il suo motivo e obiettivo è l’amore per un principe azzurro. Tuttavia, con le figure secondarie Tezuka si prende più rischi, come il diavolo Ecate e la spadaccina Friebe.

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Ecate

Il caso di Ecate è particolarmente affascinante, visto che viene anche ritratto come autentico beatnik, un anacronismo in piena regola nell’ambientazione medievale del manga. Ecate è anche un personaggio in evoluzione, perfetto esempio grigio. Spezza il bene vs. male, si rifiuta di smettere di essere se stessa: non vuole che il cuore rosso di Zaffiro sia più “femminile”, si ribella all’autorità materna (Madame Hell), non vuole sposare il Principe e finisce per aiutare Zaffiro. Friebe, invece, è la nonna di Utena Tenjô. Punto. È una senshi per scelta personale, non aspetta pazientemente che appaia l’uomo della sua vita, ma si mette a cercarlo con la spada in mano. Come risulta fare Zaffiro. È arrogante, intrepida e capricciosa, il che non le impedisce di essere esperta anche nelle attività domestiche. Più che Zaffiro, è Friebe che rappresenta l’unione dei paradigmi maschili e femminili dell’epoca e, soprattutto: senza conflitti, senza bisogno di ricorrere un cuore azzurro. Friebe sceglie il proprio destino, non aspetta che siano loro a decidere per lei.

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Friebe

Zaffiro non è veramente libera, ma vassallo delle sue responsabilità come futura monarca, e deve obbedienza ai genitori; quindi deve nascondere la sua identità femminile. Al suo interno è in guerra, una guerra che le circostanze esasperano e la portano a dover scegliere, poiché ospitare due cuori si dimostra incompatibile. E Tezuka rende molto chiara la disputa intima ma sempre, ricordiamolo, dal punto di vista del contesto storico. In Ribbon no Kishi non c’è spazio per identità di genere non binarie o transgender; Nonostante fosse un’opera pionieristica, continua a essere soggetta all’ideologia egemonica del Giappone negli anni 50. C’è il machismo a fermare un treno merci, non si possono coltivare pere sull’olmo.
SapphireLa Principessa Cavaliere è un prodigio che continua ad essere seguito ancora oggi senza problemi nonostante tutto. Ha il vantaggio di avere diversi livelli di lettura, per bambini e per adulti, in cui Manga no Kamisama inoculò le loro preoccupazioni (che erano tante) e spirito pacifista. E sempre ottimista a prova di bomba. Tezuka vantava una straordinaria immaginazione, con una flessibilità nel combinare generi diversi (mistero, avventura, fantasy, horror, ecc.) inaspettati per ciò che veniva solitamente offerto al pubblico femminile dagli shôjo shôsetsu. Sono talmente tante le avventure e le vicissitudini narrate (debitore degli emonogatari), con così tante risorse innovative che poi divennero un cliché del genere, che sarebbe impossibile elencarle tutte: amnesia, lotte coi pirati, streghe malvagie, dee gelose, varie metamorfosi, amori impossibili, balli in maschera…
Sull’arte, è chiaro che Biancaneve della Disney fu il modello di Zaffiro; e in generale Disney ebbe un’influenza preminente sulle opere di Tezuka, sia su carta che su pellicola. Le abbondanti scene con animali, sempre rimandano a Disney, così come la dinamica delle vignette, che sembrano più un cartone animato che semplice illustrazione. Il disegno scorre leggero ed energico. I disegni sono ingannevolmente semplici, ma la semplicità nasconde uno studio meticoloso che sceglie lucidamente uno stile fanciullesco e dolce, con fisionomia manierista (le viti di vespa, le gambe infinite…oh) da diventare la filigrana shôjo. La sensazione è di trovarsi davanti a un’opera indubbiamente vintage, ma anche straordinariamente contemporanea. Ecco perché è un classico, compari Otaku.
Cos’altro posso aggiungere alla recensione della Principessa Cavaliere ? La verità non troppo, perché non voglio sezionare l’opera o fare un’analisi esaustiva, che richiederebbe molte più voci. Questo è un blog, non una tesi di dottorato, amici miei. Questa è solo un’introduzione e, se non avete letto il manga, stuzzica l’appetito. E non solo verso questo fumetto, ma verso lo shôjo e altre opere di Tezuka dalla prima fase. Spero che abbia raggiunto lo scopo. Buon giorno buon pomeriggio Buona notte.

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La verità sui berserker

Historyextra 19 marzo 2020

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Simboleggiando la rabbia incontrollabile e la sete di sangue, i berserker vichinghi erano feroci guerrieri che si dice abbiano combattuto con una furia simile a una trance. Ma sono mai esistiti davvero? Qui, lo storico Kim Hjardar indaga.
C’erano poche istituzioni militari consolidate in Scandinavia all’inizio dell’era vichinga, intorno all’800, ma un certo numero di tali organizzazioni si sviluppò gradualmente man mano che la società passò sempre più sotto il dominio di un solo re. L’istituzione principale era una confraternita di guerrieri al servizio di un solo padrone. Si sviluppò divenendo la principale fonte di potere dei re medievali e divenne nobiltà nel Medioevo. Ma c’era una confraternita di guerrieri più sinistra in Scandinavia che non trovò posto nel mondo post-pagano del cristianesimo. Invece sopravvisse solo nel regno delle saghe, dell’arte e del folklore, divenendo spesso demoni di guerra mordaci e simboli di malvagità. Ma dietro il mito e il sudario della storia, le fonti rivelano l’esistenza di uomini vivere al confine tra vita e morte, alimentati dalla guerra e contraddistinti dalla loro estatica furia in battaglia. La descrizione di “berserker” o “pelli di lupo” nelle fonti è tra fantasia e realtà, ed è difficile oggi immaginare che tali persone possano essere mai esistite, con un potere distruttivo incontrollabile. Ma ci furono. I berserker e pelli di lupo (noti anche come “lupi pagani”) erano un gruppo speciale di guerrieri molto abili e pericolosi associati al dio Odino.

In che modo i berserker avrebbero combattuto in guerra?
imagesSe c’erano truppe d’élite come berserker e pelli di lupo sul campo di battaglia, venivano messi davanti la falange [una formazione militare di massa rettangolare, solitamente composta da fanteria pesante] per resistere al peso principale dell’attacco, o quando si lanciava l’attacco. Ma le truppe berserker potevano essere un’arma a doppio taglio, poiché difficili da controllare e spesso non erano adatte alla guerra in formazione. Invece, sembravano preferire operare in gruppi più piccoli, attaccando in modo indipendente. Olav Haraldsson (St Olav) mise i berserker di fronte alla propria falange nella battaglia di Stiklestad nell’anno 1030, ma invece di mantenere la linea attaccarono e quindi contribuirono alla caduta del re. I guerrieri vichinghi guardavano al dio Odino per darsi aggressività e coraggio in battaglia, ma i berserker fecero un ulteriore passo. Secondo le fonti potevano sbaragliare una forza in inferiorità numerica e quando attaccavano ululavano come cani o lupi idrofobi. Si diceva che né il ferro né il fuoco potevano ferirli, e non conoscevano il dolore. Dopo una battaglia erano deboli come bambini, completamente consumati fisicamente e psicologicamente. È difficile trovare una chiara differenza tra un berserker e un pelle di lupo. A volte sembrano gli stessi, sotto la descrizione generale dei berserker, e altre volte erano ritratti come due diversi tipi di guerrieri. In alcuni contesti, le pelli di lupo sono ancora più strettamente legati al culto di Odino di quanto non sembrino i berserker.

Una confraternita di guerra
Bronsplåt_pressbleck_Öland_vendeltidOriginariamente i Berserker svilupparono la propria confraternita di guerrieri professionisti che viaggiavano in giro e prendevano servizio con diversi capi. Ciò che li distingueva era che avevano orsi e lupi come animali totem, e si vestivano delle loro pelli. Indipendentemente dal fatto che si trattasse di un orso o di un lupo, i guerrieri credevano di essere dotati dello spirito dell’animale. Disegni che mostrano guerrieri vestiti in quelle che potrebbero essere pelli d’orso si trovano, tra l’altro, sui piatti Torslund di Öland, che si pensa risalgano al VII secolo. Nelle saghe di Fornalder (“Saghe dei tempi precedenti” ) e in molte altre saghe, la guardia del re o del capo era descritta composta da berserker, di solito dodici. I berserker spesso comprendevano una truppa d’élite oltre alla guardia o all’esercito in generale. Nelle battaglie navali di solito erano di stanza a prua, per sostenere il peso principale dell’attacco. Nella battaglia di Hafrsfjord, nel 872 circa, apparivano come truppe d’assalto di Harald Hårfagre (Finehair), in gruppi di 12 uomini. Si dice che i berserker siano nemici temibili da incontrare. Si diceva spesso che fossero così intossicati dalla brama di battaglia che mordessero gli scudi, attaccavano massi e alberi e si uccidevano a vicenda mentre aspettavano l’inizio della battaglia. Una serie di scacchi del XII secolo trovati sull’isola di Lewis. nelle Ebridi scozzesi. include un pezzo degli scacchi di un guerriero che morde il proprio scudo. A volte si pensa che il titolo di berserker fosse ereditario, e sono noti esempi di intere famiglie di berserker. Una di queste, nota dalle saghe, è Egil Skallagrimson. Anche il padre di Egil, Skallagrim (“teschio brutto”) e suo nonno Kveldulv (“lupo notturno”) erano berserker. Il concetto di ‘berserk’ si presentava anche indipendentemente dao ‘berserker’. L’idea di “impazzire” poteva applicarsi a qualcosa oltre ai soli membri di una confraternita di guerrieri. Harald Hardråde (Hardruler) “andò fuori di testa” nella battaglia di Stamford Bridge del 1066, per esempio. L’espressione è usata anche in relazione sui guerrieri che non si pensa indossassero uniformi in pelli di animali. I berserker di Olav Haraldsson, che per combatterono nella battaglia di Stiklestad, ne sono un esempio.

Qual è la prima prova dei berserker?
unnamedLe prime fonti scritte di quelli che potrebbero essere berserker si trovano negli scritti romani del I secolo d.C. Nel suo libro Germania, lo storico Tacito descrive dei fantastici guerrieri d’élite tra le tribù germaniche nel nord Europa. Nel VI secolo, lo storico romano orientale Prokopios scrisse degli “eruli selvaggi e senza legge” del nord, descrivendo come combattessero quasi nudi, vestiti di soli perizomi, questo per mostrare disprezzo per le ferite. Non indossavano né elmo né cotta di maglia e usavano solo uno scudo leggero per proteggersi. Le persone che venivano descritte come “heruli” probabilmente avevano origine da Sjæland o Fyn nell’odierna Danimarca, ma possono anche essere rintracciato in altre parti della Scandinavia, come la Norvegia. Si dice che gli Eruli abbiano avuto un regno a Fyn. Questo sarebbe sopravvissuto fino al VI secolo, ma molti furono cacciati dalla Scandinavia dai danesi. Gli Eruli presero spesso servizio come bande di guerrieri nell’esercito romano. Apparivano come i berserker, in piccoli gruppi al servizio di capi o re, e c’è la possibilità che le origini dei berserker si trovino tra i misteriosi heruli.
I berserker sono spesso menzionati nelle saghe, nei poemi scaldici [composti alle corti dei capi scandinavi e islandesi durante l’era vichinga e il Medioevo] e in altra letteratura del Medioevo. Nelle saghe, scritte in un contesto cristiano, la memoria di questi guerrieri fu estesa fino a diventare un’etichetta per chi si distinguevano contro le norme sociali: teppisti e predoni, pirati e così via. Nel primo compendio della legge islandese, Grågås, si dice che un berserker furioso venisse legato o condannato all’esilio. La più antica fonte scritta conosciuta sui berserker è Haraldskvadet, poema scaldico del IX secolo in onore del re Harald, attribuito al poeta scaldico Torbjørn Hornklove. Scrivendo della battaglia di Hafrsfjord [data sconosciuta], scriss: “I berserker ruggirono dove infuriava la battaglia, i lupi pagani ululavano e le armi di ferro tremavano”.goths-ancient-germanic-warriors-min
Nella Saga di Grette si dice dei guerrieri di quella battaglia: “… tali berserker come venivano chiamati lupi-pagani; avevano come cotta di maglia una pelle di lupo… e il ferro non li feriva; uno di loro… iniziò a ruggire e morse il bordo del suo scudo… e ringhiò ferocemente”. Nella Saga Volsung , che descrive eventi nel VI secolo, si dice che i berserker erano votato ad Odino e che “andavano senza armatura, pazzi come cani e lupi, mordevano gli scudi, erano forti come orsi o buoi, uccisero tutti, e né fuoco né ferro li colpivano; questo si chiama impazzire”. Tuttavia, le descrizioni nelle saghe di uomini violenti e di assassini non possono essere tutte collegate ai berserker. Vengono fatte distinzioni, ad esempio, tra “berserker” e “guerrieri”, e tra assassini “normali” e uomini che duellavano. E i testi della saga in antico norreno non chiamano mai i berserker pazzi o folli. Consideravano i berserker qualcosa di più che semplicemente socialmente problematici od insolitamente aggressivi. Le saghe li distinguono dagli altri uomini attribuendogli una particolare “natura” che li rendeva al tempo stesso sprezzanti e paurosi.

‘Impazzire’: cosa è la teoria dei funghi?
MV5BMNel 1784 un prete di nome Ödmann presentò la teoria secondo cui “impazzire” era il risultato del consumo del fungo agarico bianco (Amanita muscaria). Tale spiegazione divenne gradualmente popolare e rimane così oggi. Ödmann basò la sua ipotesi sui rapporti sugli sciamani siberiani, ma è importante notare che non fece osservazioni personali sugli effetti del consumo di tale fungo. Anche l’agarico bianco fu suggerito come causa della furia berserk, ma considerando quanto sia velenoso, è improbabile che venisse mangiato. Mangiare il fungo agarico può portare a depressione e rendere apatici, oltre agli effetti allucinogeni. I Berserker non sono certamente mai descritti come apatici!
tenorFu anche suggerito l’avvelenamento da fungo Claviceps purpurea, che contiene un composto utilizzato per sintetizzare l’allucinogeno LSD (dietilamide dell’acido lisergico). Tuttavia, se i funghi fossero stati così importanti per i berserker, sarebbero stati sicuramente menzionati nelle saghe, cosa che non avviene. La spiegazione più probabile per “impazzire” viene dalla psichiatria. La teoria è che i gruppi di guerrieri, attraverso processi rituali eseguiti prima della battaglia (come mordere i bordi degli scudi), entrassero in trance ipnotica autoindotta. In tale stato dissociativo perdevano il controllo cosciente delle azioni, poi dirette inconsciamente. Le persone in tale stato sembrano distanti, hanno poca consapevolezza di ciò che li circonda e ridotta consapevolezza del dolore e maggiore forza muscolare. Il pensiero critico e le normali inibizioni sociali si indeboliscono, ma le persone colpite non sono inconsapevoli. Questa condizione di automatismo psicomotorio assomiglia forse a ciò che in psichiatria forense viene descritto come “responsabilità diminuita”. La condizione è seguita da una grande catarsi emotiva sotto forma di stanchezza ed esaurimento, a volte seguita dal sonno. I ricercatori pensano che l’obiettivo a breve termine della trance fosse ottenere un’abreazione di forti impulsi aggressivi, distruttivi e sadici con ruolo socialmente definito.
L’ordine sociale e la religione antica norrena sapevano accogliere tale comportamento, ed è comprensibile che il fenomeno sia scomparso coll’introduzione del cristianesimo. Una società cristiana considerava tali rituali e azioni demoniaci e pensava che derivassero da influenze soprannaturali.

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Kim Hjardar è coautore, con Vegard Vike, di Vikings at War, che sarà pubblicato da Casemate Books.

Wan Laiming, comunista, fondatore dell’animazione cinese e ispiratore di Osamu Tezuka

Hongbo Guo, Fronte asiatico/cinese dell’Estremo Oriente della seconda guerra mondiale

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I fratelli Wan

Nell’inverno del 1920, in un vicolo di via Tiantong’an, a Zhabei, Shanghai, i residenti potevano spesso vedere che un padiglione era sempre luminoso, anche di notte, e gli abitanti sembravano non dormire mai. I curiosi non potevano fare a meno di informarsi in merito. Si seppe che era uno speciale laboratorio cinematografico dei fratelli Wan (Wan Laiming, Wan Guchan, Wan Chaochen, Wan Dihuan) guidato da Wan Laiming. Erano impegnati in un esperimento sui cartoni animati. Wan era nato nella famiglia di un uomo d’affari a Nanchino. Gli piaceva dipingere da bambino. Gli piaceva di più ascoltare “Viaggio in occidente” e desiderava giorno e notte viverlo. Una volta, Wan andò al cinema. Prima dell’inizio del film, nella sala veniva trasmesso un cartone animato di otto minuti, “Steamboat Willie”, per preparare il pubblico. Questo fu il primo cartone animato sonoro al mondo. Topolino emozionò Wan dallo schermo. Ne fu profondamente scioccato.
L’obiettivo della vita di Wan era rendere “commoventi” i ritratti cinesi. Quando aveva 20 anni, vide per la prima volta un peep show nel City God Temple di Shanghai. Era una scatola nera che l’ispirò nel creare cartoni animati. Per capire il principio, persino scrisse alla Paramount Motion Pictures negli Stati Uniti. Tuttavia, queste lettere non ebbero risposta. Così affittò una stanzetta di 7 metri quadrati nel vicolo di Shanghai, comprò una vecchia macchina fotografica e ne fece una cinepresa. Ogni notte, dopo che la stufa a carbone in cucina veniva rimossa e le tende chiuse, la piccola stanza diventava una camera oscura. I fratelli Wan, che all’inizio non sapevano nemmeno distinguere tra fili e spago, realizzarono la prima animazione commerciale cinese, “La macchina da scrivere cinese di Shu Zhendong”, in questa piccola stanza dopo quattro anni di tentativi, uscì la prima animazione cinese, “Ribellione nello studio”, nel 1926.
236796298Nel 1932 scoppiò l’incidente del 28 gennaio e macchine ed attrezzature per l’animazione accumulate dai fratelli Wan in più di dieci anni furono tutte distrutte dall’artiglieria giapponese. Anche in condizioni così difficili, i fratelli Wan miracolosamente produssero la prima animazione sonora cinese, “La danza del cammello” l’anno dopo. Questo fu il primo cartone animato cinese in bianco e nero sonoro. Dal contenuto alla forma, fece un passo verso la nazionalizzazione, segnando l’arte dell’animazione cinese entrare in una nuova fase. Sfortunatamente, questo fu rovinata nella seconda battaglia di Shanghai. Wan pensava di portare Monkey King sul grande schermo. Tuttavia, il caos della guerra lo costrinse a prendere la via dell’esilio. Durante il suo viaggio, Wan non dimenticò il suo amato “Viaggio in Occidente”, e l’immagine di Monkey King divenne sempre più chiara nel suo cuore. Wan salutò madre, moglie e i figli, dopo aver organizzato il soggiorno del quarto fratello a Shanghai, per badare alla famiglia. Condusse il secondo e il terzo fratello nell’ambito del lavoro anti-giapponese del Secondo Ufficio del Dipartimento Politico del Comitato Militare Rivoluzionario Nazionale, guidato da Zhou Enlai e Guo Moruo. L’anno successivo fu eletto primo membro del consiglio dell’Associazione dell’industria cinematografica cinese.Princess-Iron-Fan
All’inizio della primavera del 1938, Zhou Enlai e Guo Moruo arrivarono nello studio cinematografico cinese di Wuhan. Quando Zhou Enlai seppe che i fratelli Wan erano i fondatori dell’animazione cinese, gli strinse la mano con gioia e li elogiò: “Avete fatto un ottimo lavoro e avete dato molto al popolo!” Nello stesso anno, Zhou Enlai li presentò ai comandanti Peng Dehuai e Ye Ting. Ye Ting e altri seppero del duro lavoro dei fratelli Wan e della produzione dei cartoni animati. Erano profondamente commossi e trattarono Wan Laiming come un parente. Gli versarono il tè e lo invitavano a cena allo stesso tavolo. Un giorno di aprile del 1938, Zhou Enlai e Deng Yingchao vennero allo studio cinematografico per visitarlo di nuovo. Improvvisamente qualcuno diede un suggerimento a Zhou Enlai: “L’abilità nelle silhouette di Wan Laiming è davvero sorprendente. Riproduceva i volti di molte star del cinema come Hu Die, Jin Yan, Wang Renmei e le pubblicò in “The Young Companion”. Vuole che le faccia un film? Zhou Enlai sorrise e annuì e disse: “Okay, ne sono interessato”. Wan Laiming tirò fuori forbici e carta nera. A questo punto, Zhou Enlai si tolse il berretto militare, rivelando la testa appena rasata. Wan Laiming era così eccitato che le sue mani tremavano. Normalmente, ci voleva un minuto, ma questa volta ce ne vollero due per ritagliare il profilo di Zhou Enlai. Dell’elaborazione artistica per trasformare il profilo in un’immagine, con un taglio per capelli. Zhou Enlai prese la silhouette e sorrise e disse a Wan Laiming: “Grandioso, sei un maestro. Così veloce e somigliante, grazie!” Questa silhouette fu pubblicata in un giornale nella provincia di Hunan, in quel periodo, momento.

65048947Nei primi giorni della guerra, aerei giapponesi bombardarono Chongqing continuamente e lo studio cinematografico non poté lavorare. Wan Laiming decise: il terzo fratello sarebbe rimasto a Chongqing per mantenere la macchina e lui sarebbe tornato a Shanghai per lavorare. Partì nella primavera 1939, percorse migliaia di chilometri da Kunming, Vietnam a Hong Kong, e tornò nell'”isola isolata” di Shanghai, nell’estate-autunno dello stesso anno. Lavorò col secondo fratello col rischio di essere assassinato da spie e traditori giapponesi. Al tempo, il primo lungometraggio d’animazione al mondo, “Biancaneve”, arrivò a Shanghai e folle di persone si affrettarono a guardarlo. Questo indubbiamente influenzò Wan Laiming. Dopo averci pensato, i fratelli Wan sentirono di bisogno di tornare all’essenza. Per dare vita all’industria dell’animazione cinese, doveva radicarsi nella tradizione nazionale. Così iniziarono a disegnare un film d’animazione “La Principessa dal Ventaglio di Ferro” basata sul frammento sul ventaglio di platano di tre tonalità di Monkey King, in “Viaggio in Occidente”.
Fu solo all’inizio che il manager della compagnia Xinhua, Zhang Shanyin, pensò che fosse redditizio e decise di investire nelle riprese. In seguito, scoprì che il costo dell’animazione era alto, i tempi lunghi e che non c’era certezza di profitti, quindi volle ritirarsi. Con il supporto e l’investimento di Sheng Pihua della Shanghai Yuanyin Company, “La Principessa dal Ventaglio di Ferro” non fu interrotto. Per realizzare il film, tenevano le luci accese, organizzarono più di 100 disegnatori e realizzarono 20000 bozzetti, utilizzando solo poco più di 400 risme di carta. Dopo un anno e mezzo di duro lavoro, girarono più di 9000 metri di pellicola, e il film alla finee era lungo 3500 metri e durava 80 minuti. Invitarono gli attori famosi come Bai Hong, Yan Yueling, Jiang Ming, Han Langen, Yin Xiucen, ecc. per doppiarlo. Fu anche la prima volta che Monkey King apparve come animazione. Anche “La Principessa dal Ventaglio di Ferro” si basava sui personaggi dell’opera, vividi nella forma e nei tratti distintivi, caratteristici della cultura cinese. Fu il quarto film d’animazione più diffuso dopo gli americani “Biancaneve”, “Lillipuziani” e “Pinocchio”. Questo fu il primo lungometraggio d’animazione cinese col sonoro, fu anche un ottimo lavoro nel promuovere lo spirito della resistenza. La trama era vivida e una metafora “Un pubblico unito può sconfiggere il Demoniaco re toro (invasori giapponesi) e ottenere la vittoria finale”. Il film fu proiettato contemporaneamente nelle principali sale di Shanghai, Xinguang e Huguang, nella concessione. Per un mese di proiezioni, ogni cinema era pieno. Vedendo che il film era popolare, anche i giapponesi si imbatterono in diverse copie e le spedirono nel loro Paese per proiettarle. I critici giapponesi videro lo scopo propagandistico della “La Principessa dal Ventaglio di Ferro” e scrissero un articolo per “denunciarlo” sui giornali.Wan GuchanDopo lo scoppio della guerra del Pacifico, i giapponesi occuparono la concessione di Shanghai. All’inizio del 1944, Wan Laiming fuggì da Shanghai con la moglie e il figlio minore, Tunxi, nell’Anhui, zona di guerriglia. Il giorno dopo, la sua casa a Shanghai fu perquisita dagli agenti del regime fantoccio di Wang. Le influenze de La Principessa dal Ventaglio di Ferro furono di vasta portata; fu subito esportato in Giappone in tempo di guerra, ispirando il sedicenne Osamu Tezuka nel diventare un disegnatore di fumetti, e spingendo la Marina Imperiale giapponese a commissionare il primo lungometraggio animato giapponese, Momotaro’s Divine Sea Warriors del 1945 (il film precedente, Momotaro’s Sea Eagles, era di 37 minuti).

Wan Laiming

Wan Laiming

Dopo la fondazione della Repubblica Popolare Cinese, Wan Laiming divenne direttore dell’animazione nello Shanghai Film Studio.
Osamu Tezuka affermò di aver preso la strada dell’animazione perché fu ispirato dalla visione de “La Principessa dal Ventaglio di Ferro” da ragazzo. Nel 1988, Osamu Tezuka andò in Cina, per visitare Wan Laiming.

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Come gli anime giunsero in Italia, dal 1970 al 1981

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Alla fine degli anni ’60, giunsero in Italia i primi film della Toei Animation, trasmessi sulla Rai dal dicembre 1970 su Rai 2 (allora Secondo Programma), quando fu parzialmente trasmesso La leggenda del serpente bianco (Hakujaden, 1958) del regista Taiji Yabushita.
Seguirono i seguenti film, i cui crediti vennero travisati o addirittura inventati (si faceva lo stesso anche coi film di produzione sovietica e dell’Europa orientale), assegnando dei finti nomi anglosassoni ad autori ed attori:
0989La leggenda del serpente bianco (Hakujaden, 1958)
Le tredici fatiche di Ercolino (Saiyuki, 1960)
Robin e i 2 moschettieri e mezzo (Anju to Zushiomaru, 1961), di Taiji Yabushita e Yugo Serikawa.
Simbad il marinaio (Sindbad no boken, 1962), di Taiji Yabushita.
Leo, il re della giungla (Jungle Taitei, 1966), di Osamu Tezuka.
009 Joe Tempesta (Saibogu Zero-Zero-Nain, 1966), di Shotaro Ishinomori e Yugo Serikawa.
La storia di Alice… fanciulla infelice (Shonen Jack to Mahotsukai, 1967), di Taiji Yabushita.
Le meravigliose favole di Andersen (Andersen Monogatari Match Uri no Shojo, 1968), di Kimio Yabuki.
La grande avventura del piccolo principe Valiant (Taiyo no oji – Horusu no daiboken, 1968), di Isao Takahata.
Il gatto con gli stivali (Nagagutsu o haita neko, 1969), di Kimio Yabuki.
Il vascello fantasma (Soratobu Yureisen, 1969), di Hiroshi Ikeda.
Senza famiglia (Chibikko Remi to meiken Capi, 1970), di Yugo Serikawa.
20.000 leghe sotto i mari (Kaitei San-man Mile, 1970), di Shotaro Ishinomori, Kimio Yabuki e Takeshi Tamiya.
Gli allegri pirati dell’isola del tesoro (Dobutsu takarajima, 1971), di Hiroshi Ikeda.
Alì Babà e i 40 ladroni (Ari Baba to Yonjuppiki no Tozoku, 1971), di Hiroshi Shidara.
Continuavano a chiamarlo il gatto con gli stivali (Nagagutsu Sanjushi, 1972), di Tomoharu Katsumata.
L’orsetto panda e gli amici della foresta (Panda no Daiboken, 1973), di Yugo Serikawa.
La Sirenetta, la più bella favola di Andersen (Andersen Dowa Ningyo Hime, 1975) di Tomoharu Katsumata.
Il gatto con gli stivali in giro per il mondo (Nagagutsu o Haita Neko 80 Nichikan Sekai Isshu, 1976), di Hiroshi Shidara.
x1080La prima serie giapponese trasmessa dalla Rai, nel 1976, fu Le avventure di Barbapapà (Baabapapa, 1974), una coproduzione giapponese-olandese con sceneggiatura di Masaki Tsuji basata sui libri di Annette Tison e Talus Taylor. Seguì la serie Vicky il vichingo (Chiisana Viking Bikke, 1974), sempre nel 1976.
Dal 7 febbraio al 6 giugno 1978 andò in onda, su Rai 1, Heidi (Arupusu no Shojo Haiji, 1974), di Yoichi Kotabe, Isao Takahata e Hayao Miyazaki, all’epoca degli emeriti sconosciuti. Heidi, coproduzione giapponese-tedesca, è il capostipite del programma World Masterpiece Theater della Nippon Animation, continuato fino al XXI secolo.
Zum il Delfino bianco (Iruka to Shonen, 1971), invece fu la prima serie anime, una coproduzione giapponese-francese del 1971, ad essere trasmessa da Rai 2 nell’autunno 1978. Subito dopo Rai 2 trasmise, ogni domenica mattina, la serie Fiabe e leggende giapponesi (Manga Nippon Mukashi Banashi, 1975), realizzata da Gisaburo Sugii; e nel 1979 venne trasmessa la serie Racconti giapponesi (Kage-e Mukashi Banashi, 1976), della azienda Kakashi-za.
La prima serie anime trasmessa su reti TV private, fu Kimba il Leone bianco (Janguru Taitei, 1965), giunta in Italia dagli USA. La Rai, intanto, trasmise la serie anime Capitan Harlock (Uchu Kaizoku Kyaputen Harokku, 1978), di Rintaro, mentre sulle TV private regionali veniva trasmesso Danguard Ace (Wakusei Robo Dangado Esu, 1977), di Tomoharu Katsumata. Dopo nove episodi, Danguard Ace non fu più trasmesso, venendo acquistato dall’Olympus Merchandising e trasmessa sulle reti Fininvest col titolo Danguard. Alcuni episodi della serie TV Capitan Harlock furono rimontati per realizzare il film Le nuove avventure di Capitan Harlock il pirata dello spazio (1979), distribuito dall’Italian Pictures.500-3613
Nel 1979 fu trasmesso dalle TV private regionali la serie anime Le avventure di Lupin III (Rupan Sansei, 1971) di Gisaburo Sugii e Yasuo Otsuka. Nel 1980, uscì nei cinema il film Le avventure di Lupin III (1978). Nella primavera del 1979, su diverse TV private nazionali, fu trasmessa la serie anime TV Jeeg Robot, uomo d’acciaio (Kotetsu Jigu, 1975) di Kazuo Nakamura, realizzato dalla Toei Animation e distribuito in Italia da AB International Export e Pubbliherz. Anche Ryu il ragazzo delle caverne (Genshi shonen Ryu, 1971), di Takeshi Tamiya e Masayuki Akehi, fu distribuito da AB International Export e Olympus Merchandising. Dopo Jeeg Robot, uscì Il Grande Mazinger (Gureto Majinga, 1974), trasmesso su TV regionali. Il Grande Mazinger ebbe tale successo che il relativo manga di Go Nagai fu edito in Italia nell’autunno 1979, dai Fratelli Fabbri Editori. Probabilmente fu il primo manga edito in Italia. Sempre in quel periodo, furono trasmessi sulle TV private i film d’animazione Il principe felice di Osamu Dezaki e Akio Sugino, e Polon la piccola strega, tratta dalle serie Sally la maga (Mahotsukai Sari, 1966).
A metà 1979, TeleMonteCarlo trasmise Le favole della foresta (Yama Nezumi Rocky Chuck, 1973), di Yasuji Mori. Nell’autunno 1979, TV private regionali trasmisero la serie anime Ufo Dino Mech Gaiking, di Akio Sugino, Takeshi Shirato e Yoshinori Kanada. Nell’autunno 1979, venne trasmessa la serie anime Remì – Le sue avventure (Ie Naki Ko, 1977), di Osamu Dezaki e Akio Sugino. Glam rimontò gli episodi della serie nel film Remì – Il Film (1980), distribuito da Alsen Cinematografica. Nel settembre del 1979, le TV private trasmisero Don Chuck il Castoro (Don Chakku Monogatari, 1975), che uscì nei cinema coll’ennesimo film di montaggio, Le avventure di Don Chuck il Castoro (1980), della BP Distribuzione Super 8, e Le avventure dell’Ape Magà, (Konchu Monogatari: Minashigo Hatchi, 1970), mentre la Rai nel 1980 trasmise L’ape Maia (Mitsubachi Maya no boken, 1975), una coproduzione giapponese-austro-tedesca.
LC38zyoNel dicembre 1979 Antenna Nord e 5° Rete trasmisero l’anime TV Falco il superbolide (Machine Hayabusa, 1976), di Yugo Serikawa e Masaki Tsuji, realizzata da Dynamic Planning della Toei Animation. Contemporaneamente fu importato dall’Olympus, Tekkaman il cavaliere dello spazio (Uchu no Kishi Tekkaman, 1975), di Hiroshi Sasagawa. Per natale 1979, apparve nei cinema il film La più grande vittoria di Jeeg Robot – Jeeg il “Robot d’Acciaio” contro i mostri di roccia, ennesimo
rimontaggio delle puntate della serie.
La serie anime Astrorobot contatto Ypsilon (Burokka Gundan IV Mashiin Burasuta, 1976), fu trasmessa dalla Rai nell’autunno 1980.
Sergio Bergonzelli, noto anche cogli pseudonimi Siro Carme, Cino Glam, Mushi Glam e Scino Glam, attore e regista, una volta laureatosi in filosofia lavorò con vari registi, come Giacinto Solido, Giacomo Gentilomo, Giorgio Simonelli e Pietro Germi. Nel 1965 Bergonzelli lavorò con l’attore Enrico Bomba. Bergonzelli alla fine degli anni ’60 divenne il distributore in Italia, tramite la società Glam Oriental Films, dei film dalla Toei Animation. La Glam Oriental Films importò in Italia anche il film Gamera tai Daiakuju Giron (1969), prodotto dalla Daiei Studios. La Glam acquistò in seguito dalla Toei Animation Mazinga Z contro Devilman (1973) e Ufo Robot Goldrake contro il Grande Mazinga (1976), la cui versione italiana fu curata da Enrico Bomba, rimontati completamente, tramite Cinestampa Internazionale e Oriental Films furono distribuiti nei cinema nel dicembre 1978 col titolo Mazinga contro gli Ufo Robot. Bomba poi curò la serie Il Grande Mazinger, trasmessa sulle reti private nella primavera 1979.8Kvpbme
Tramite Cinestampa Internazionale giunse in Italia Gli Ufo Robot contro gli invasori spaziali, ancora curato da Enrico Bomba e distribuito da Oriental Films. Si trattava sempre di rimontaggi del tutto arbitrari dei film della Toei Animation Il Grande Mazinga contro Getta Robot G (1975), Il Grande Mazinga, Getta Robot G, UFO Robot Goldrake contro il Dragosauro (1976) e Mazinga Z contro il Generale Nero (1974). La Glam in seguito importò General Daimos (Tosho Daimos) della Nippon Sunrise e Toei Animation, rimontati nel 1979 nel film Daimos, il figlio di Goldrake, distribuito da Alsen Cinematografica, anche questo curato da Enrico Bomba e dalla C.D.
La Glam, ora divenuta Oriental Films, importò e distribuì il film della Toei Doga, Heidi diventa principessa (Sekai meisaku dowa: Hakucho no oji, 1977), di Nobutaka Nishizawa e Yuji Endo. Nel frattempo uscirono per i cinema una “trilogia” basata sul rimontaggio della serie televisiva Heidi: Heidi a scuola; Heidi in città e Heidi torna tra i monti, distribuiti dall’HC Heritage Cinematografica. Venne anche importato il film Andersen Dowa Ningyo Hime, nel 1979 distribuito nei cinema da Vanguard Martino col titolo La Sirenetta, la più bella favola di Andersen.
Mazinga contro Goldrake (1979) fu l’ultimo film del genere prodotto da Bergonzelli e Bomba, e distribuito nei cinema. Era ancora il rimontaggio di 6 episodi speciali. Fu un flop. Nel frattempo la Italian Pictures realizzò tre film ricavati dal rimontaggio della serie TV Goldrake: Goldrake all’attacco, la più grande avventura di Ufo Robot; Goldrake l’invincibile e Goldrake addio! Alla fine degli anni ’70, ad importare serie animate dal Giappone, erano SACIS, Olympus e Doro TV, già DEA, mentre Argon Film riproduceva su licenza i film della Toei Animation.
MAZINGA-Z003Nel gennaio 1980, Rai 1 trasmise la serie anime di Go Nagai Mazinga Z (Majinga Zetto, 1972), mentre sulle TV private venivano trasmesse la serie importata da Doro TV Judo Boy (Kurenai Sanshiro, 1968) di Tatsuo Yoshida e Toyoharu Yoshida, e, su TeleMonteCarlo, Astroganga (Asutorogangaa, 1972) di Eiji Tanaka. E nei primi mesi del 1980, Mediaset trasmise Gundam (Kido senshi Gandamu, 1979) di Yoshiyuki Tomino, Yoshikazu Yasuhiko e Kazuo Nakamura. Nella primavera 1980, su Italia 1 andò in onda Candy Candy (Kyandi Kyandi, 1976) della Toei Animation e regia di Hiroshi Shidara. Il successo di Candy Candy portò nelle sale cinematografiche i film Candy Candy (1981), distribuito da Remo Angioli, e Candy Candy e Terence per sempre uniti (1980), della Minerva Trading. Inoltre Doro TV importò le serie anime Temple e Tam Tam (Fusen Shojo Tenpuru-chan, 1977) e Il fantastico mondo di Paul (Poru no Mirakuru Daisakusen, 1976) dello Tatsunoko.
Sulle TV private venne trasmessa anche la serie Le nuove avventure di Pinocchio (Kashi no Ki Mokku, 1972) di Toyoharu Yoshida, uno dei tre fratelli fondatori dello studio Tatsunoko. Sempre sulle TV private venne trasmesso Kum Kum il cavernicolo (Wanpaku Omukashi Kumu Kumu, 1975), dello stesso autore di Gundam, Yoshikazu Yasuhiko, e ragia di Rintaro. La storia di Charlotte (Wakakusa no Charlotte, 1977), sempre importata da Doro TV e prodotta da Nippon Animation, fu trasmessa dalle TV private nella primavera 1980.
Nel 1980 furono trasmesse sulle TV private le serie anime The Monkey (Goku no Daiboken, 1967) e La Principessa Zaffiro (Ribon no kishi, 1967); serie della Mushi Production importate da Doro TV. A sua volta, la Rai nella primavera 1980 trasmise la serie Le avventure di Huckleberry Finn (Huckleberry no Bouken, 1976) prodotta da Group TAC, e nell’autunno 1980 la serie anime Anna dai capelli rossi (Akage no An, 1979) di Isao Takahata e prodotta da Nippon Animation.
Nell’autunno del 1980 venne trasmesso su reti private Gackeen il robot magnetico (Magunerobo Ga Kiin, 1976), realizzato da Kazuo Komatsubara e Kazuo Nakamura per la Toei Animation. Seguì sulle TV private, la tramissione delle serie anime Space Robot (Getta Robo, 1972) e Getta Robot (Getta Robo J, 1975) di Kazuo Komatsubara e Kazuo Nakamura.
MV5BNWUDaitan III (Muteki Kojin Daitan 3) fu importato dalla Italian TV Broadcasting (ITB) nell’autunno 1980, e trasmesso su reti TV private. Nel novembre del 1980, sulla futura Italia 1 venne trasnessa la serie anime Grand Prix e il campionissimo (Arrow embleme grand prix no taka, 1977) diretta da Rintaro (Rin Taro) e animata da Kazuo Nakamura. Nel dicembre 1980, Canale 10 di Berlusconi, poi divenuta Canale 5, trasmise la seire anime Gloizer X (Guroiza X, 1976), di Go Nagai e studio Knack, prodotta dalla Toei. Sempre nel dicembre 1980, Italia 1 trasmise la serie anime Peline Story (Perinu Monogatari, 1978) prodotta da Nippon Animation e diretta da Hiroshi Saito. Nel Natale 1980, Rai 1 trasmise il film Le avventure di Bandar (Hyaku ManNen Chikyu no tabi Bandaa Book, 1978), e il giorno di S. Stefano, Marine Express – L’espresso sottomarino (Kaitei Chotokkyu Marin Ekusupuresu, 1979). E sempre la Rai, per capodanno del 1981 trasmise L’uccello di fuoco spaziale 2772 (Hi no tori 2772: Ai no kosumozon, 1980), di Osamu Tezuka. Nel gennaio 1981 fu Antenna Nord a 5° Rete (Italia 1), trasmisero la serie anime Star Blazers (Uchu Senkan Yamato, 1974) di Leiji Matsumoto, e prodotta da Office Academy e Group Tac. Nel 1981 quindi fu trasmessa la serie anime Zambot 3 (Muteki Chojin Zanbotto 3) prodotta dalla Sunrise e realizzata da Yoshiyuki Tomino e Yoshikazu Yasuhiko. Sempre nel gennaio 1981, la Rai trasmise la serie anime Capitan Futuro (Captain Fucha, 1978) di Tomoharu Katsumata, Masaki Tsuji, Takuo Noda e Toshio Mori.
Leo, il re della giungla (Janguru Taitei, 1965), invece venne trasmesso da Mediaset nel 1982.

A-Channel +Smile OAV 3 – Alessandrite nella pentola

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A-Channel +Smile OAV 3 – Alessandrite nella pentola (MKV). A cura di StratosAnime.

A-Channel +Smile OAV 2 – Un augurio per l’Ema

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A-Channel +Smile OAV 2 – Un augurio per l’Ema (MKV). A cura di StratosAnime.

A-Channel +Smile OAV 1 – Montagna di Pancake

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A-Channel +Smile OAV 1 – Montagna di Pancake (MKV). A cura di StratosAnime.